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传说中罗马人的保护神雅努斯有两张面孔，一个在前，展望着未来；一个在后，凝视着过去。如果我们将雅努斯的脸运用到文化上来说，它即意味着传统和未来。传统是无法割舍的内心情节，而未来又遥不可及，充满着神秘感和吸引力，它既有即时的，引领时尚，潮流的乐趣，也有对未来的展望。当然，雅努斯只是一个意象，任何艺术家都有雅努斯的影子，一方面割舍不了传统，另一方面又渴望摆脱它，摆脱前人的苑囿，使自己的艺术能走得更远。
想起雅努斯是因为最近连续在上海音乐厅听了两场纪念李斯特的钢琴独奏会。两个演奏家恰似双面的雅努斯。法国钢琴家艾玛尔偏向于诠释现代钢琴作品，而英国钢琴家斯蒂芬·贺夫则倾向于浪漫主义风格。当然，这也是相对而言。从两个钢琴家的言谈中我们可以得知，他们对所谓的演奏流派都表示了相应的冷漠。或许动辄喜欢将艺术归类大多是学者，评论家的兴趣，很少有艺术家愿意将自己框死在某一个领域内。简单的说，艺术家不是匠人，匠人是按模具（模式）制造产品的，特征是无个性的标准化。而艺术家是个性的，有着强烈的个人化的痕迹。演奏家也一样，一个优秀的演奏家不是标准的，规矩的诠释者，他绝对是个性的，甚至离经叛道。
色调偏冷的艾玛尔
今年是李斯特诞辰200周年，我应约写过两篇关于李斯特的文章，一篇是李斯特的钢琴套曲《旅游岁月》，一篇是他的《但丁交响曲》。故此对于纪念李斯特的音乐会自然充满期待，且这两位钢琴家对我来说，并非十分熟悉，艾玛尔听过他在DG录制的《赋格的艺术》，斯蒂芬·贺夫则只闻其名，不知其音。陌生是我兴趣所在，如果像波格莱里奇，倒反而没什么太多兴趣了，他的个性已经偏离了航道，变得古怪，匪夷所思。
艾玛尔对现代音乐的兴趣或许和自己的经历有关。他既是梅西安夫妇的弟子，又和布列兹、斯托克豪森、利盖蒂等保持着长期亦师亦友的关系，而这些在现代先锋音乐创作上影响巨大的作曲家对形成艾玛尔的演奏趣味不无帮助。所以，在艾玛尔上海之行的曲目单中，除了李斯特的《b小调钢琴协奏曲》和德彪西的《前奏曲》等我们熟知的作品之外，其他的如布列兹的《第一钢琴奏鸣曲》和利盖蒂的《练习曲》都是现场难得一听的作品，甚至在上海的演奏会中都不曾出现过。这使我感到有些惊奇，如出冷僻的曲目，观众能接受吗？事实上，我的这种担忧纯属多余，音乐会现场基本坐满观众，使我顿时觉得落伍了，很久不去现场听音乐会，已经缺乏判断力了。
艾玛尔的演奏整体来说音色纯净，但色调有些偏冷。在演奏德彪西的三首前奏曲时（分别是“沉没的教堂”、“精灵的舞蹈”、“焰火”），艾玛尔显示了良好的控制力，但似乎缺少瑰丽的音色和微妙的层次感。他的演奏非常冷静，有一种不动声色的沉静感，甚至让人感觉到一种瓷器的光泽，细致的肌理，漂亮的折射光晕，品位雅致但有些瓷器的坚硬。及后的另三首德彪西的前奏曲（分别是“月色满亭台”、“水妖”、“西风所见”）同样显示了这种特质，精致飘逸，像个不动声色的，冷静的叙事者。
布列兹的《第一钢琴奏鸣曲》是他早期的作品。说实话，布列兹的作品除了技术上，音响上的独特之外，它的聆听体验是值得商榷的。作为曾经最激进的先锋作曲家，布列兹最终也只能依靠指挥来维持生计。音乐不同于文字，如果只有技法上的逻辑关系，却缺乏情感依托的话，那么音乐就会变成一种空洞的音响。布列兹是作曲家中的思想家，但深刻有时却赢不了简单，德沃夏克甚至是一个半文盲，但有着最简单而直接的感情。布列兹的音乐充其量是个概念，是一种理论音乐，它能触发人去思考，很难让人激动。当然，先锋派作曲家并不在乎听众的情感体验，否则，他们也不会去创作这种实验性的音乐。利盖蒂三首练习曲也是现代派作品中比较著名的作品，相对于布列兹的冷峻，多少有些空洞的感觉来说，同样激进先锋的利盖蒂更容易让人接受些，其中艾玛尔演奏的利盖蒂的《空弦》令我印象深刻。
李斯特的《b小调奏鸣曲》是这两场演出的重头戏。虽然李斯特的这首作品是浪漫主义时代最著名的钢琴奏鸣曲之一，但我一直并不怎么喜欢它，说不出具体原因，或许我觉得它有些做作。李斯特在情感表达方面不像肖邦、舒曼或者柏辽兹那样，让人感觉到一种强烈的内心驱使，一种自然的流露。李斯特的音乐有着更多的观念性的表达，他的很多作品的灵感都从文学而来，相比肖邦的纯，李斯特更喜好用抽象的诠释来表达对人生的理解。《b小调奏鸣曲》虽是一首纯音乐性的作品，但其中强烈的对比，神经质的躁狂，虽让人过瘾但却嚼之空洞。而艾玛尔的演奏仍然让人觉得有些偏冷，出色但缺乏让全场沸腾的效果。具体来说，艾玛尔是个很有修养的，绅士型的演奏家。
多才的斯蒂芬·贺夫
从某种方面来讲，斯蒂芬·贺夫和艾玛尔都是比较规矩的，不会故意制造现场气氛的，不会哗众取宠的绅士型演奏家。相比于艾玛尔的偏冷，斯蒂芬· 贺夫的演奏显得感性些，这更适合表现浪漫主义时代的作品。有意思的是，斯蒂芬·贺夫出场的时候，让人感觉和艾玛尔竟然有些相像。
不巧的是，斯蒂芬·贺夫的音乐会正好遇到大雨，空气中充满着潮湿的味道，这或许也影响了他的发挥。在演奏第一首贝多芬《月光奏鸣曲》的时候，可能是钢琴的缘故，有些音弹得沉闷发粘，而第三乐章的节奏似乎也有些问题，但这些小瑕疵并不影响他的发挥，整体上斯蒂芬·贺夫的演奏让人感觉流畅华丽。尤其是斯克里亚宾的两首奏鸣曲，弹得热力四射，触键凌厉，既有抒情的华美，又有如滔滔江水般的迅猛气势。斯克里亚宾钢琴奏鸣曲既有传统的语汇，又有现代的特征，乐思飘逸自由，热烈奔放，是非常诗意化的钢琴的作品。而斯蒂芬·贺夫的演奏将斯克里亚宾内心不安的躁动完全的表现了出来。
斯蒂芬·贺夫不但是个钢琴演奏家，也是个作曲家。在音乐会中，他演奏了一首自己创作的钢琴奏鸣曲《段落的树枝》，表达了对作曲家雅纳切克的钢琴曲集《杂草丛生的小径》的敬意。虽说是一首钢琴奏鸣曲，其实是由16段独立的部份组成，这首乐曲的乐思是散漫的，前后既有联系，又相对独立，音乐虽然含有宗教的意味，但听起来更像是一首描绘意境的，写意性的风格小曲。从这首作品的本身来说，并非十分出色，乐思缺乏新意，个性也不是很突出。但作为一个演奏家来说，现在能作曲的已是凤毛麟角。从这首作品所传递出的情绪来看，斯蒂芬·贺夫的确是个颇有诗意的浪漫派钢琴家。
从斯蒂芬·贺夫的介绍来看，他除了是职业的演奏家，作曲家之外，又是神学家、艺术评论家，他的博客也是最受欢迎的文化博客之一。这种比较全面的文化修养在如今这个浮躁的大环境下，已是难能可贵的素质，令人崇敬。
李斯特的《b小调奏鸣曲》也是斯蒂芬·贺夫演奏会中的重头戏，相比于艾玛尔的偏冷，斯蒂芬·贺夫显得更为热情。但从演奏的效果来看，斯蒂芬·贺夫似乎不及艾玛尔细腻精致，在音色的处理上比艾玛尔更为粗旷，他的演奏现场感非常强烈，对比鲜明，华丽迅猛的八度乐句气势逼人，而在舒展抒情乐句中又如款款低语，充满柔情。
这两场音乐会不但满足了我长期脱离音乐会后的饥渴，而它给我最大的感受是，这两位杰出的钢琴家并非是国际上顶尖的明星演奏家，但演奏水准已是非同小可。且敢于在音乐会上不顾冷场，安排如出冷僻的曲目，这是需要强烈的职业感和艺术自觉的，由此也可见西方文化底蕴的深厚，这对于只顾炒作，不管艺术质量我们是否也是一种警示呢？
想起雅努斯是因为最近连续在上海音乐厅听了两场纪念李斯特的钢琴独奏会。两个演奏家恰似双面的雅努斯。法国钢琴家艾玛尔偏向于诠释现代钢琴作品，而英国钢琴家斯蒂芬·贺夫则倾向于浪漫主义风格。当然，这也是相对而言。从两个钢琴家的言谈中我们可以得知，他们对所谓的演奏流派都表示了相应的冷漠。或许动辄喜欢将艺术归类大多是学者，评论家的兴趣，很少有艺术家愿意将自己框死在某一个领域内。简单的说，艺术家不是匠人，匠人是按模具（模式）制造产品的，特征是无个性的标准化。而艺术家是个性的，有着强烈的个人化的痕迹。演奏家也一样，一个优秀的演奏家不是标准的，规矩的诠释者，他绝对是个性的，甚至离经叛道。
色调偏冷的艾玛尔
今年是李斯特诞辰200周年，我应约写过两篇关于李斯特的文章，一篇是李斯特的钢琴套曲《旅游岁月》，一篇是他的《但丁交响曲》。故此对于纪念李斯特的音乐会自然充满期待，且这两位钢琴家对我来说，并非十分熟悉，艾玛尔听过他在DG录制的《赋格的艺术》，斯蒂芬·贺夫则只闻其名，不知其音。陌生是我兴趣所在，如果像波格莱里奇，倒反而没什么太多兴趣了，他的个性已经偏离了航道，变得古怪，匪夷所思。
艾玛尔对现代音乐的兴趣或许和自己的经历有关。他既是梅西安夫妇的弟子，又和布列兹、斯托克豪森、利盖蒂等保持着长期亦师亦友的关系，而这些在现代先锋音乐创作上影响巨大的作曲家对形成艾玛尔的演奏趣味不无帮助。所以，在艾玛尔上海之行的曲目单中，除了李斯特的《b小调钢琴协奏曲》和德彪西的《前奏曲》等我们熟知的作品之外，其他的如布列兹的《第一钢琴奏鸣曲》和利盖蒂的《练习曲》都是现场难得一听的作品，甚至在上海的演奏会中都不曾出现过。这使我感到有些惊奇，如出冷僻的曲目，观众能接受吗？事实上，我的这种担忧纯属多余，音乐会现场基本坐满观众，使我顿时觉得落伍了，很久不去现场听音乐会，已经缺乏判断力了。
艾玛尔的演奏整体来说音色纯净，但色调有些偏冷。在演奏德彪西的三首前奏曲时（分别是“沉没的教堂”、“精灵的舞蹈”、“焰火”），艾玛尔显示了良好的控制力，但似乎缺少瑰丽的音色和微妙的层次感。他的演奏非常冷静，有一种不动声色的沉静感，甚至让人感觉到一种瓷器的光泽，细致的肌理，漂亮的折射光晕，品位雅致但有些瓷器的坚硬。及后的另三首德彪西的前奏曲（分别是“月色满亭台”、“水妖”、“西风所见”）同样显示了这种特质，精致飘逸，像个不动声色的，冷静的叙事者。
布列兹的《第一钢琴奏鸣曲》是他早期的作品。说实话，布列兹的作品除了技术上，音响上的独特之外，它的聆听体验是值得商榷的。作为曾经最激进的先锋作曲家，布列兹最终也只能依靠指挥来维持生计。音乐不同于文字，如果只有技法上的逻辑关系，却缺乏情感依托的话，那么音乐就会变成一种空洞的音响。布列兹是作曲家中的思想家，但深刻有时却赢不了简单，德沃夏克甚至是一个半文盲，但有着最简单而直接的感情。布列兹的音乐充其量是个概念，是一种理论音乐，它能触发人去思考，很难让人激动。当然，先锋派作曲家并不在乎听众的情感体验，否则，他们也不会去创作这种实验性的音乐。利盖蒂三首练习曲也是现代派作品中比较著名的作品，相对于布列兹的冷峻，多少有些空洞的感觉来说，同样激进先锋的利盖蒂更容易让人接受些，其中艾玛尔演奏的利盖蒂的《空弦》令我印象深刻。
李斯特的《b小调奏鸣曲》是这两场演出的重头戏。虽然李斯特的这首作品是浪漫主义时代最著名的钢琴奏鸣曲之一，但我一直并不怎么喜欢它，说不出具体原因，或许我觉得它有些做作。李斯特在情感表达方面不像肖邦、舒曼或者柏辽兹那样，让人感觉到一种强烈的内心驱使，一种自然的流露。李斯特的音乐有着更多的观念性的表达，他的很多作品的灵感都从文学而来，相比肖邦的纯，李斯特更喜好用抽象的诠释来表达对人生的理解。《b小调奏鸣曲》虽是一首纯音乐性的作品，但其中强烈的对比，神经质的躁狂，虽让人过瘾但却嚼之空洞。而艾玛尔的演奏仍然让人觉得有些偏冷，出色但缺乏让全场沸腾的效果。具体来说，艾玛尔是个很有修养的，绅士型的演奏家。
多才的斯蒂芬·贺夫
从某种方面来讲，斯蒂芬·贺夫和艾玛尔都是比较规矩的，不会故意制造现场气氛的，不会哗众取宠的绅士型演奏家。相比于艾玛尔的偏冷，斯蒂芬· 贺夫的演奏显得感性些，这更适合表现浪漫主义时代的作品。有意思的是，斯蒂芬·贺夫出场的时候，让人感觉和艾玛尔竟然有些相像。
不巧的是，斯蒂芬·贺夫的音乐会正好遇到大雨，空气中充满着潮湿的味道，这或许也影响了他的发挥。在演奏第一首贝多芬《月光奏鸣曲》的时候，可能是钢琴的缘故，有些音弹得沉闷发粘，而第三乐章的节奏似乎也有些问题，但这些小瑕疵并不影响他的发挥，整体上斯蒂芬·贺夫的演奏让人感觉流畅华丽。尤其是斯克里亚宾的两首奏鸣曲，弹得热力四射，触键凌厉，既有抒情的华美，又有如滔滔江水般的迅猛气势。斯克里亚宾钢琴奏鸣曲既有传统的语汇，又有现代的特征，乐思飘逸自由，热烈奔放，是非常诗意化的钢琴的作品。而斯蒂芬·贺夫的演奏将斯克里亚宾内心不安的躁动完全的表现了出来。
斯蒂芬·贺夫不但是个钢琴演奏家，也是个作曲家。在音乐会中，他演奏了一首自己创作的钢琴奏鸣曲《段落的树枝》，表达了对作曲家雅纳切克的钢琴曲集《杂草丛生的小径》的敬意。虽说是一首钢琴奏鸣曲，其实是由16段独立的部份组成，这首乐曲的乐思是散漫的，前后既有联系，又相对独立，音乐虽然含有宗教的意味，但听起来更像是一首描绘意境的，写意性的风格小曲。从这首作品的本身来说，并非十分出色，乐思缺乏新意，个性也不是很突出。但作为一个演奏家来说，现在能作曲的已是凤毛麟角。从这首作品所传递出的情绪来看，斯蒂芬·贺夫的确是个颇有诗意的浪漫派钢琴家。
从斯蒂芬·贺夫的介绍来看，他除了是职业的演奏家，作曲家之外，又是神学家、艺术评论家，他的博客也是最受欢迎的文化博客之一。这种比较全面的文化修养在如今这个浮躁的大环境下，已是难能可贵的素质，令人崇敬。
李斯特的《b小调奏鸣曲》也是斯蒂芬·贺夫演奏会中的重头戏，相比于艾玛尔的偏冷，斯蒂芬·贺夫显得更为热情。但从演奏的效果来看，斯蒂芬·贺夫似乎不及艾玛尔细腻精致，在音色的处理上比艾玛尔更为粗旷，他的演奏现场感非常强烈，对比鲜明，华丽迅猛的八度乐句气势逼人，而在舒展抒情乐句中又如款款低语，充满柔情。
这两场音乐会不但满足了我长期脱离音乐会后的饥渴，而它给我最大的感受是，这两位杰出的钢琴家并非是国际上顶尖的明星演奏家，但演奏水准已是非同小可。且敢于在音乐会上不顾冷场，安排如出冷僻的曲目，这是需要强烈的职业感和艺术自觉的，由此也可见西方文化底蕴的深厚，这对于只顾炒作，不管艺术质量我们是否也是一种警示呢？
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